jueves, 25 de febrero de 2016

EDUARDO MENDOZA SE DESTAPA COMO ACTOR PRODIGIOSO

El novelista conquista al público del Romea con un delicioso e irrepetible monólogo



 Dos noticias, una buena y otra mala. La buena: en el Romea se representó anoche una de las mejores funciones que se puedan ver en la cartelera. La mala: era función única y, por deseo del propio artista, nunca más volverá a los escenarios.

 Había accedido, “incapaz de rechazar un reto”, Eduardo Mendoza, pues de él se trataba, a protagonizar una de las sesiones de Solos que ofrece el Teatre Romea de Barcelona y lo que brindó fue una velada maravillosa, llena de inteligencia, humor, ironía y sentimiento. Sabíamos que Mendoza era un gran escritor pero la función reveló a un actor como la copa de un pino. El ritmo, la voz, la gestualidad, el dominio de la escena... todo un prodigio. 

 El monólogo del novelista revistió el formato de una conferencia, centrada en el hecho teatral (pero en la que habló de otros temas mayores como la vida y la felicidad) y apoyada por unas fotos proyectadas (algunas tan impagables como una junto a Reagan en la Casa Blanca y otra de Rey Mago) y fragmentos musicales. Fue una delicia escuchar al escritor (desde ahora el actor) bromeando sobre su infancia en los maristas (!) o su supuesta torpeza para el arte escénico, animando al público a escapar durante los cortes musicales o a mantener encendido el móvil y contestar las llamadas. 

 Dejó muy claro Mendoza que era un acto único e irrepetible: “Si me invitan al festival de Aviñón, a la Cour d'Honneur les diré: 'No, merci”. 

 Explicó que tiene 73 años y es la primera vez que sube a un escenario como protagonista aunque descubrió un pasado de actor aficionado malogrado por “falta de coordinación”. Hizo reír de buena gana con su reinterpretación del argumento de Solo ante el peligro culminado en “gatillazo”, de la historia del monstruo de Frankenstein o de las confesiones de San Agustín, anunció su jubilación y habló de despedidas.

 Era esperable una referencia a Rosa Novell, su mujer fallecida y que brindó sus últimas actuaciones, ciega, en ese mismo escenario. La que hizo Mendoza fue pudorosa, sutil, dulce: apenas una imagen fugaz entre fotos de cerezos en flor en Kyoto con la música tradicional de Sakura Sakura: la muerte en el esplendor. Y ya de regreso —devolviendo la emoción al cofre del corazón— a la vida, al teatro, a la literatura. Pues la función continúa aunque sea irrepetible.

 Acabó Mendoza con una metáfora sobre los ríos y el mar y se sorprendió divertidamente ante los calurosísimos aplausos y bravos del público, que le hicieron salir a saludar una segunda vez hasta que nos echó a todos de allí haciendo cariñosamente el gesto de “váyanse” con las manos.

miércoles, 24 de febrero de 2016

CURIOSIDADES DE LA LENGUA ESPAÑOLA



  • El vocablo reconocer se lee lo mismo de izquierda a derecha que viceversa. 
  • En el término centrifugados todas las letras son diferentes y ninguna se repite. 
  • En aristocrático, cada letra aparece dos veces. 
  • En la palabra barrabrava, una letra aparece una sola vez, otra aparece dos veces, otra tres veces y la cuarta cuatro veces. 
  • El vocablo cinco tiene a su vez cinco letras, coincidencia que no se registra en ningún otro número.
  •  El término corrección tiene dos letras dobles.
  •  Las palabras ecuatorianos y aeronáuticos poseen las mismas letras, pero en diferente orden. 
  • Con 23 letras, se ha establecido que la palabra electroencefalografista es la más extensa de todas las aprobadas por la Real Academia Española de la Lengua. 
  • El término estuve contiene cuatro letras consecutivas por orden alfabético: stuv.
  •  Con nueve letras, menstrual es el vocablo más largo con solo dos sílabas. 
  • Mil es el único número que no tiene ni o ni e.
  •  La palabra pedigüeñería tiene los cuatro firuletes que un término puede tener en nuestro idioma: la virgulilla de la ñ, la diéresis sobre la ü, la tilde del acento y el punto sobre la i. 
  • La palabra euforia tiene las cinco vocales y sólo dos consonantes. 
  • La palabra oía tiene tres sílabas en tres letras.
  •  El término arte es masculino en singular y femenino en plural.

UNA JOYA DE 42.195 METROS DE LONGITUD

El mito dice que tras recorrer a la carrera los 42 kilómetros que separan Maratón de Atenas, el soldado Filípides comunicó a su ciudad una victoria sobre los persas, y la vida cotidiana nos dice que todos los corredores que terminen un maratón comunican, se comunican, una victoria sobre sí mismos, sobre sus tentaciones y los límites que creían que señalaban su vida. De estas victorias diarias, de la transcendencia para el alma y el cuerpo de enfrentarse al desafío del maratón, y de entrenarse, trata un bellísimo libro, más que un libro, una joya, titulado 42,195. Más que un libro, más que una joya, aparte, 42,195 es un proyecto (www.werunproject.org), solo aquí venden el libro, 42 euros íntegros para fines sociales), que por amor al arte y a sus semejantes, impulsa Eduardo Barceló, un amateur en el sentido etimológico, o amador, como traducen los portugueses el galicismo, para convertir la carrera a pie y a solas, una idea, en el punto de apoyo y la palanca que mueva el mundo. 

 La metáfora se hace carne, y arrugas y corazón, y fotografías hermosas de Ricardo Vivas, y libro, en las historias de las 41 personas, anónimos y famosos, que cuentan su vida, sus luchas y sus victorias, que no se podrían entender sin el maratón.

NIÑOS SIN NOMBRE

'Soles negros', la nueva novela de Ignacio del Valle, se adentra en la trama del robo de críos en España
 El escritor descubrió datos escalofriantes del ‘modus operandi’ del régimen franquista durante el proceso de documentación que aquí desvela





Hace unos años saltó la noticia de la monjita «que daba niños», sor María Gómez Valbuena. O mejor dicho, que robaba los bebés a mujeres que acababan de dar a luz y luego los vendía al mejor postor. La monjita trabajaba como asistente social en dos clínicas y había tejido toda una red de contactos y casas que dimanó en un negocio muy lucrativo, ya que en los años ochenta se llegaban a pagar hasta cien mil pesetas por cada uno de los recién nacidos. Este tráfico de niños pareció entonces el verdadero e insólito dragón, pero a la luz de los años que he pasado documentando la novela ‘Soles negros’, esto no era más que la punta de la cola del dragón. 

 Esta historia de terror comenzó realmente durante la Guerra Civil. Una buena época para las historias de miedo, por otra parte. A medida que los nacionales ganaban terreno, las cárceles se llenaban de madres y niños republicanos. En este contexto, el régimen dio prioridad a la educación de toda esa «masa desafecta» para transformarla en un pilar básico del futuro estado franquista, una sociedad vertical y disciplinada en cuyo vértice estaría el Caudillo. Un lavado de cerebro que tuvo al Auxilio Social como su principal herramienta y punta de lanza y a un ideólogo cuyo apellido seguramente les sonará por cuestiones folclóricas: el psiquiatra militar Antonio Vallejo-Nágera. El catedrático y director del sanatorio psiquiátrico de San José, en Ciempozuelos (Madrid), bebió directamente de las fuentes nacionalsocialistas acerca del concepto biológico de pureza racial y, en su momento, realizó estudios sobre prisioneros de guerra republicanos para identificar y aislar un hipotético y delirante ‘gen rojo’, lo que dio como resultado una bibliografía con títulos tan explícitos como ‘Eugenesia de la Hispanidad y regeneración de la raza’.

 De esta manera, nuestro psiquiatra estableció un corpus con la bendición del mismísimo Caudillo por el cual se decretaba la inferioridad mental y la perversidad genética de los republicanos, «la naturaleza psicosocial degenerativa de los rojos», lo que abrió inmediatamente la veda para un exterminio que si bien no alcanzó las dimensiones materiales del nacionalsocialismo –aquí se discuten interesantes teorías acerca del peso que tuvo el catolicismo para evitar la cristalización de una nueva Shoah–, sí pudo derivar en actuaciones genésicas de variada condición, entre ellas, la persecución, el aislamiento y la reeducación. Una vez establecido este ideario montaraz y, por lo tanto, la condición de enfermos, había que curar o eliminar.

ILLARRAMENDI SUPERA EL MITO DE LA NOVENA SINFONÍA

El compositor acaba de editar su último disco sinfónico y esta semana estrena 'Zarautz' en Bilbao

  

El compositor Ángel Illarramendi (Zarautz, 1958) vive uno de los momentos más dulces de su carrera artística. El pasado 5 de febrero vio la luz el disco con la grabación de la Sinfonía Nº 4 Ingenua y la Sinfonía Nº 9, a cargo de la Orquesta Sinfónica de Euskadi, y esta semana se estrenará su obra Zarautz por la Orquesta Sinfónica de Bilbao en el Palacio Euskalduna. Y en breve estará en los cines la última película de Helena Taberna, Acantilado, cuya banda sonora también ha compuesto el músico guipuzcoano. "No se puede pedir más", dice Illarramendi: "Ahora es cuando se me está reconocimiento muy trabajo. Estoy feliz".


Sony Classical ha editado sus sinfonías cuarta y novena, grabadas en directo en abril de 2005 por la Orquesta Sinfónica de Euskadi "con la grandiosidad que da un teatro lleno de público y la viveza que eso produce en los músicos y el director". Illarramendi se muestra especialmente satisfecho del resultado del disco porque la Novena "no es fácil de interpretar". La orquesta vasca dirigida por José Miguel Pérez Sierra consiguió entender "a la perfección" una obra "muy rítmica, con ritmos muy irregulares", hecha en un solo movimiento, como sus dos sinfonías anteriores (la Séptima y la Octava, ninguna de ellas bautizada).

Illarramendi cree superado el "mito de la novena", esa maldición que se ha instalado en el mundo de la música clásica tras la muerte de grandes compositores tras componer nueve sinfonías, aunque para romper el maleficio está el maestro Shostakovich, que creó 15 sinfonías. "Yo ya me puedo morir tranquilo", dice el compositor guipuzcoano. Metido en faena en su estudio de Hondarribia, en una privilegiada atalaya junto al campo de golf de Jaizkibel, todavía no ha comenzado a componer la décima sinfonía, porque "entre obra y obra hay que dejar un tiempo de reposo, como el barbecho en la tierra". 

 Terminó su primera sinfonía con 25 años y eso le abrió las puertas del cine, con su participación en la banda sonora de Tasio, de Montxo Armendariz, el comienzo de una dilatada carrera musical para el cine de la mano, principalmente del productor vasco Elías Querejeta, "un gran amigo". Después vinieron El hijo de la novia, Luna de Avellaneda, Yoyes o Teresa, el cuerpo de Cristo. Su última intervención para el cine es Acantilado, de Helena Taberna, con la que ha colaborado en varios filmes. "El cine ha sido un complemento estupendo para mí. Pero si tengo que destacar algo es mi faceta sinfónica", afirma.

 Las nueve sinfonías, de las que se han editado cuatro (la tercera, cuarta, séptima y novena), son "un diario íntimo de mi carrera musical", un "recorrido vital" que le ha permitido "expresar con libertad lo que llevo dentro. Es lo único que me interesa en estos momentos: la libertad total. Que la música fluya bien, y eso se consigue principalmente con la música sinfónica". 

 "La música clásica vive un buen momento. Y el mío también es bueno. Se me está moviendo la obra pese a que cuesta mucho estrenar", explica el músico, que ya cuenta con "unos 24 discos editados", de los que dos tercios corresponden a bandas sonoras. 

 Ya no hay tantos prejuicios como antes en la música clásica, sentencia: "Vivimos tiempos más desprejuiciados, después de unos años en los que imperó el atonalismo. Fue muy duro porque se intelectualizó demasiado la música. Yo, en cambio, nunca he renunciado a la melodía. Yo soy un músico cantor. Canto todo, hasta la percusión. Antes tenías que estar en la vanguardia, mal llamada vanguardia, que estuvo bendecida por la crítica y los conservatorios. Era como una especie de dictadura, porque para que te aceptasen tenías que hacer ese tipo de música. Le llamaban música contemporánea, algo absolutamente pretencioso. Yo comprendo que se tomen todo tipo de caminos, porque el ser humano es muy curioso. A mí me ha servido para saber lo que no tengo que hacer, aunque también me considero heredero de todo".

Autor de un Concierto para clarinete, piano, viola y orquesta, aún por estrenar, y trabajos para el teatro, una ópera de cámara y música coral, Illarramendi está ahora con la mente puesta en el estreno de Zarautz, un poema sinfónico que compuso en 2002 por encargo del Ayuntamiento de su localidad natal y que entonces "no se preocuparon de moverlo". Su primera puesta en escena será los días 18 y 19 de febrero en el Euskalduna a cargo de la Orquesta Sinfónica de Bilbao, dirigida por Nabil Shehata. Después se interpretará el 9 de junio en el Auditorio Nacional de Madrid por la Orquesta Clásica Santa Cecilia, bajo la batuta de Grzegorz Nowak y con Janina Fialkowka al piano.

"CUENTO DE INVIERNO" EXPLORA LOS LÍMITES DE SHAKESPEARE

El director teatral Declan Donnellan arrasa en Madrid con una versión sencilla y rompedora de una obra del dramaturgo


Shakespeare le apasiona. Le embrujó a los 16 años cuando vio Sueño de una noche de verano en un montaje de Peter Brook y todavía sigue enganchado. Declan Donnellan (Manchester, 1953) encuentra en Cuento de invierno, que ha dirigido durante cinco días en el Teatro María Guerrero de Madrid hasta ayer, y en los demás textos del Bardo los mismos personajes que se pasean por una ciudad cualquiera de hoy: estafadores, asesinos, individuos que cometen delitos sin inmutarse... Hombres ciegos por los celos, incapaces de ver la realidad y que se creen sus locuras. Hombres que llegan al trastorno psíquico por una fantasía. 

 “No es ficción lo que [Shakespeare] escribió; es pura realidad. Seguimos teniendo los mismos problemas y los resolvemos igual o peor que hace 400 años. Todavía pedimos préstamos sin control, pensando que la burbuja jamás se va a romper”, dice el director teatral inglés, quien ha hecho de este Cuento de Invierno una de las obras más aclamadas de la temporada. 

 Su apariencia de hombre afable se conjuga con un halo de respeto entre los actores a los que dirige. Antes de llegar a Madrid con su espectáculo todas las entradas ya estaban vendidas; imposible ver el nuevo trabajo del fundador de la compañía británica Cheek by Jowl si no se había programado con tiempo. La obra de Donnellan ha ido incluida en los actos que organiza el British Council para conmemorar el cuarto centenario de la muerte de Shakespeare.

Este montaje de Cuento de invierno es una coproducción internacional en la que participan centros como The Barbican, Les Gémeaux / Scène Nationale, el Grand Théâtre de Luxembourg, el Piccolo Teatro di Milano-Teatro d’Europa, el Chicago Shakespeare Theater y el Centro Dramático Nacional. Con puesta en escena de Nick Ormerod, cofundador de Cheek by Jowl, la obra pasa de la tragedia a la farsa a lo largo de un periodo de 16 años. Habla de un rey delirante y paranoico que destruye a su familia. 

 Escrita en torno a 1611, en la época de La tempestad, aborda las relaciones entre padres e hijos en una trama de pérdida y recuperación, discordia y reconciliación en la que intervienen elementos sobrenaturales y que da paso a la esperanza. 

 Cuento de invierno se centra en un hombre al que destroza su propio delirio y arrasa con todos sus familiares. El dolor de la mente por someterse a semejante tortura está presente en el escenario. “Shakespeare no escribe sobre personas muertas, sino sobre vivos. Las situaciones y personajes pueden resultar de fantasía, pero cuanto más lo piensas más reales son”, considera Donnellan.

domingo, 21 de febrero de 2016

SI NO LO LEO NO LO CREO

Léelo para creértelo



Sgeun etsduios raleziaods por una Uivenrsdiad Ignlsea,no ipmotra el odren en el que las ltears etsen ecsritas,la uicna csoa ipormtnate es que la pmrirea y la utlima ltera esetn ecsritas en la psiocion cocrreta. El retso peuden etsar ttaolmntee mal y aun pordas lerelo sin pobrleams, pquore no lemeos cada ltera en si msima snio cdaa paalbra en un contxetso. Presnoamelnte, esto me preace icrneilbe! La ptua mrade que lo pairo! Tnatos aoñs de colgeio a la mrieda!