LOS 20 TIMOS MÁS FLAGRANTES DE LA HISTORIA DEL POP

Vocalistas que no cantan, músicos que no tocan, compositores que copian, mánagers que cogen todo el dinero y corren… Repasamos los mayores fraudes

“¡Tu voz! ¡Me prometiste tu voz! ¿No recuerdas nuestro contrato?”. Estas frases, exclamadas por el magnate Swan en la película El fantasma del paraíso (Brian de Palma, 1976), resumen muy bien los turbios tejemanejes que rodean a la industria discográfica. En el filme, vemos cómo un diabólico e implacable productor crea y destruye artistas, se apropia de canciones ajenas, y es capaz de todo para alcanzar el éxito.

 Cualquier parecido con la realidad no es pura coincidencia. Desde que el pop es pop, son moneda corriente el plagio, la estafa, el robo y el engaño. En este negocio (y en otros muchos) las apariencias engañan, y a veces el cantante que sale en los vídeos no es quien canta, ni el que canta se lleva la pasta, ni el que compone es quien figura en los créditos. El pop es una jungla llena de trampas y espejismos; nos corresponde a nosotros, sufrido público, desenmascararlos y estar atentos para que no nos vuelvan a dar gato por liebre ni bandurria por guitarra.

 1.Milli Vanilli: un Grammy y millones de ventas por hacer 'playback'. En 1987, el productor discográfico alemán Frank Farian descubrió al francés Fab Morvan y el alemán Rob Pilatus, dos mulatos que bailaban con la cantante Sabrina. A ojos de Farian, aquella exótica pareja lo tenía todo para triunfar: dotes para la danza, desparpajo y sex appeal. Como no sabían cantar, el productor contrató a un par de vocalistas y un puñado de músicos: ellos grabarían los discos, mientras Fav y Rob movían las bocas y el esqueleto. ¿Resultado? Vendieron millones de discos y recibieron un premio Grammy.

El chasco llegó en 1990, cuando un tal Charles Shaw confesó en un periódico que él era quien cantaba en los discos y que Milli Vanilli eran un par de impostores. Desesperados, Rob y Fav le pidieron a Frank Farian que los cubriera pero, temeroso de hacer más el ridículo, el productor optó por reconocer públicamente la verdad. Poco después, al dúo le quitaron su Grammy y lo echaron de su sello discográfico. Tras el escándalo, los Milli grabaron algún disco con sus verdaderas voces, pero ya nadie les creía. Rob no encajó bien el fracaso y acabó muerto por sobredosis en 1998. 

 2. Jordy: el niño cantor traicionado por sus padres. Marisol, Joselito, Nikka Costa… Casos de niños canores los hay a patadas, pero ninguno tan precoz y tan fugaz como el del francés Jordy. Su primer éxito, con solo cuatro años, fue Dur dur d’être bébé! (1992), donde, sobre una base dance, el niño balbuceaba una letra sobre las tribulaciones de ser pequeño. Los responsables de la música eran sus padres, el productor Claude Lemoine y la compositora Patricia Clerget, que se hicieron de oro gracias a la simpatía de su vástago. Con su primer disco, Jordy entró en el Libro Guiness de los Records como el artista más joven (4 años) en llegar al número uno en todo el mundo. El segundo disco mantuvo el éxito, y una de sus canciones fue incluida en la película Mira quién habla también (1993). Pero el tercero fracasó.

Mientras, los padres de Jordy dilapidaron la fortuna ganada por su hijo y hasta montaron La granja de Jordy, una fallida atracción turística. Arruinado, el matrimonio se divorció y el nene volvió al cole. Cuando llegó a la mayoría de edad no quedaba ni un céntimo de todo aquel dinero que había ganado de niño, y acabó haciendo reality shows, esos grandes vertederos de juguetes rotos.

 3. U2: un directo lleno de sonido enlatado. En 1992, tras un radical cambio de imagen y sonido, la banda irlandesa más famosa del mundo emprendió el Zoo TV Tour, una gira de conciertos por los cinco continentes. En ella, el grupo cambió por completo su concepción del directo, que pasó de la austeridad de las giras anteriores a ser un espectáculo multimedia. Para quitarse trabajo y sincronizar bien imágenes, luces y sonidos, Bono y los suyos llevaron todos los instrumentos pregrabados. Como a menudo había fallos de sincronización, fueron muchos los que los acusaron de fraude.

 Uno de los que los que más cizaña metió fue el cantante de Kiss Gene Simmons: “Si, como U2, cobras 100 dólares por la entrada, hacer mímica sincronizada es una falta total de honradez”, sentenció en una entrevista. Lo más curioso es que, más de una década después, el grupo Kiss también fue sorprendido haciendo playback y tuvo que pedir perdón en Twitter. 

 4. Technotronic: la despampanante chica de portada no sabe cantar. Este grupo belga de eurodance fue ideado por el productor Jo Bogaert, alias Thomas de Quincey. Cuando lanzaron su primer disco, el rompepistas house Pump up the jam (1989), la chica que salía en la portada y en el vídeo era la despampanante modelo Felly Kilingi, pero cantaba Manuela Kamosi, alias Kid K, mucho menos atractiva. 

 En 2009, coincidiendo con el vigésimo aniversario del disco, MC Eric, el otro miembro del dúo, explicaba así el fraude en Tentaciones: “Kid K firmó un contrato ilegal porque era menor de edad. Cuando todo el mundo se dio cuenta, era tarde, porque la canción ya era un éxito en los clubes. Así que encontraron a esta chica parecía africana y tenía una imagen muy fuerte. La compañía la escogió sin que lo supiéramos”.

A partir del siguiente disco, rectificaron, saliendo en todas las fotos y videos y tocando mucho en directo. Pero el éxito nunca les volvió a acompañar.

 5. Leonard Cohen: su mánager y amante le robó todo el dinero. En 1994, harto del mundanal ruido, el cantautor Leonard Cohen tomó la decisión de raparse la cabeza, hacerse monje y recluirse en un monasterio zen de Mount Baldy, Los Ángeles. Antes de retirarse, dejó sus asuntos económicos en manos de su mujer de confianza, Kelly Lynch, que durante 17 años había sido asesora financiera y amante esporádica del cantautor. Pero, traicionando su confianza, Lynch se fugó con los cinco millones de dólares que Cohen tenía ahorrados para su jubilación, dejándolo casi en la bancarrota.

Así las cosas, el cantante tuvo que colgar los hábitos para volver a la carretera y ganar algo de dinero. Y Kelly Lynch fue condenada a 18 meses de cárcel. 6. Rihanna: plagiando con descaro. Pese a tener una preciosa voz y un desarmante atractivo físico, la cantante de Barbados nunca se ha caracterizado por su originalidad. Su efervescente R&B suele picotear de aquí y allá, homenajeando y sampleando (coger partes de otra canción) a su antojo. Por ejemplo, uno de sus mayores éxitos, Don’t stop the music, está construido sobre Wanna be starting something, de Michael Jackson, que la cantante sampleó a golpe de talonario. Lo que sí fue un plagio descarado y traicionero fue Bitch better have my money, una canción estrenada en 2015 que “fusilaba” con descaro un tema de la rapera Just Britttany, titulado Betta have my money. Como es obvio, RiRi no se molestó ni en cambiar el título.

 La prueba del plagio de Rihanna:

7. Boney M: el cantante no canta, pero si lo quiere el público... En 1975, el grupo ABBA arrasaba en todo el mundo. Fue entonces cuando al productor alemán Frank Farian (que más tarde crearía a Milli Vanilli) pensó en montar una respuesta negra y exótica a los fabulosos suecos. Para ello, contrató a dos cantantes y una modelo, todas del Caribe, y a un DJ antillano que atendía por Bobby Farrell. Como el susodicho DJ no sabía cantar, Farian decidió hacerlo él mismo. 

 El éxito del grupo, llamado Boney M, fue apoteósico y canciones como Ma Baker, Belfast o Rivers of Babylon arrasaron en todo el mundo. Fue entonces cuando Bobby Farrell empezó a protestar y a pedir que lo dejaran cantar. Pero Farian, que disfrutaba siendo la voz en la sombra, no aceptó y, harto de la rebeldía de Farrell, lo echó del grupo y puso a otro monigote al frente. La cosa no funcionó, pues el público se quejaba de que aquel impostor no era “el negro de Boney M”. Así que el productor tuvo que llegar a un acuerdo con el falso cantante, que aceptó volver al grupo a cambio de dinero extra y cambiar su nombre por “Bobby Farrell & Boney M”.

8. C+C Music Factory: tú te callas. Los productores americanos Robert Clivillés y David Cole crearon este grupo de dance pop a principios de los noventa. Tras hacer unas bases, contrataron al rapero Freedon Wiliams y a la vocalista Martha Wash para poner voces en rompepistas como Gonna make you sweat (Everybody dance now). El éxito fue legendario: cinco veces disco de platino. Pero la señorita que salía en la portada de los discos y en los vídeos no era la oronda cantante Martha Walsh, sino Zelma Davis, una deslumbrante modelo de 19 años que, años después, se lavaría las manos en una entrevista de Rolling Stone: “Yo era joven e inocente. Recuerdo que les dije a los que grababan el videoclip que eso no lo había cantado yo y los de la casa de discos me hicieron callar”.

La que no se calló fue Martha Walsh, que denunció a los productores y a CBS/Sony por fraude, publicidad engañosa y apropiación comercial.

 9. Michael Jackson: un disco póstumo con la voz de otro. En diciembre de 2010, poco más de un año después de la muerte del Rey del Pop, se publicó Michael, un (supuesto) álbum póstumo de canciones inéditas. Desde el primer momento, el lanzamiento fue criticado tanto por los parientes, amigos y colaboradores del cantante, que consideraban una falta de respeto publicar unas canciones que no estaban acabadas. Lo que no sabían es que en muchas de ellas ni siquiera cantaba Michael, sino Jason Malachi, dotado de una tesitura de voz muy parecida. 

 La primera que llamó la atención sobre el fraude fue Paris, la hija de Michael que, en una conversación por vídeo chat con varios amigos, la chica comentó que “mi padre no canta ninguna canción de ese álbum. Busca en YouTube a Jason Malachi. ¡Es él!”. La conversación fue grabada y se filtró a Internet, donde ya había un clamor que especulaba sobre el fraude. Y en enero fue el propio Malachi quien reveló la verdad en su Facebook: "Chicos, creo que es hora de confesar. Era yo quien cantaba Breaking News, Keep Your Head Up, Monster y Stay. Yo tenía un acuerdo con la compañía discográfica, pero ahora el gato está fuera de la bolsa. Perdón a todos mis fans, y a los fans de Michael Jackson".

10. Billy Joel: estafado y arruinado. Desde 1973 hasta que se retiró temporalmente en 1993, esta estrella del pop facturó 40 éxitos, ganó seis premios Grammy y despachó más de 100 millones de discos en todo el mundo. Sin embargo, por avatares del destino, también se ha arruinado varias veces. El ejemplo más sonado fue cuando Frank Weber, su ex mánager, usó 30 millones de dólares que sacó de las cuentas del cantante para avalar prestamos personales y realizar varias inversiones que acabaron mal. Joel no se enteró de la estafa hasta 1989, año en que le hicieron una auditoría, y tuvo que declararse en quiebra, demandando poco después a Weber por fraude y apropiación indebida. Hay más: el ex manager era padrino de la hija del cantante y había sido su cuñado. El caso afectó tanto al artista que en su disco River of dreams (1993) dedicó varias canciones al asunto.

11. Selena Gomez: el tropezón que desveló que todo era falso. En octubre de 2013, en un concierto en la ciudad de Fairfax (Virginia) Selena Gomez cantaba lel tema Slow down, mientras daba botes y animaba al público. Tanto empeño puso en sus bailoteos que no se dio cuenta de que se acercaba a un gran escalón. Así que pisó en falso y se cayó de culo. Pero lo más duro no fue la caída, sino que su voz siguió sonando como si tal cosa, revelando que aquello era un playback de padre y muy señor mío. Para colmo, todo quedó grabado e inmortalizado en YouTube, donde se puede comprobar cómo Selena pega un grito al caerse y su grito se escucha por encima de la voz de la pista. Selena Gomez se tropieza, pero sigue la voz, como si nada: 

12. The Monkees: ese glorioso grupo prefabricado. Michael Nesmith, Davy Jones, Micky Dolenz y Peter Tork. Así se llamaban los cuatro elegidos de un duro casting por el que pasaron más de 500 mozos. El objetivo era formar un cuarteto musical en la línea de los Beatles para actuar en la tele y ponerle cara a unos discos en los que no harían ellos. Producidos por Don Kirshner, sus primeros álbumes están interpretados por músicos norteamericanos tan célebres como Carole King, Neil Sedaka o Neil Diamond. El éxito fue apoteósico, y entre 1966 y 1968 se hartaron de vender discos. Pero, poco a poco y para desespero de su productor, los cuatro figurantes del grupo se fueron rebelando: exigían cantar las canciones y tocar los instrumentos, cuyos rudimentos habían aprendido a fuerza de hacer playbacks. Tanto protestaron que les dieron su oportunidad, pero tuvieron la mala pata de sacar su disco poco antes del Sgt. pepper’s lonely hearts club band, de los Beatles, que los alejó de las listas de éxitos. Después, su programa fue cancelado y el cantante dejó el grupo.

Tanta guerra le dieron los Monkees a su creador que para The Archies, su siguiente proyecto de pop prefabricado, decidió usar dibujos animados en lugar de personas.

 13. Frank Sinatra: chicas contratadas para desmayarse. Adelantándose a Elvis y a los Beatles, el apuesto crooner Frank Sinatra inauguró el fenómeno fans. En 1942, su agente de prensa George Evans, tuvo la feliz ocurrencia de hacer castings de colegialas, para elegir a las que más gritaran y convocarlas en conciertos y apariciones públicas del ídolo; a cambio de cinco dólares, las muchachitas gritaban como posesas y fingían desmayos. Este fraude fue la chispa que encendió el mito de Swoonatra (juego de palabras derivado del verbo “swoon”, es decir, “desmayarse”) y el boom del fenómeno fans: años después, también Brian Epstein, mánager de los Beatles, contrataría chicas para gritar en los conciertos del cuarteto de Liverpool.

14. Lin Miaoke: vergonzante movimiento político. La espectacular ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Pekín de 2008 estuvo ensombrecida por el escándalo de un playback infantil. Así, mientras la angelical niña de nueve años Lin Miaoke salía al escenario a actuar y recibir aplausos, entre bambalinas se escondía la verdadera cantante, otra pequeña llamada Yang Peiyi. Pocos días después de la gala se destapó el fraude, Internet se llenó de críticas negativas y el director musical del evento se vio obligado a comparecer para explicar que Lin Maoke fue elegida por ser “muy mona” y en función del “interés nacional”, ya que “queríamos proyectar la imagen correcta”. Estas excusas fueron casi peores que el hecho en sí, y pusieron en evidencia la cruel discriminación que había sufrido Peiyi, que, pese a tener una voz de oro, lucía unos dientes mal alineados y unos sonrosados mofletes.

                       

15. Los Beatles: el día que Lennon plagió, y lo reconoció. Aunque, como la mayoría de las canciones de los Beatles, está firmada por Lennon/McCartney, Come together fue compuesta por John Lennon. Una pieza de rock que abre su disco Abbey Road (1969) y sonó en los cinco continentes. Casi un lustro después, la editora musical del pionero del rock Chuck Berry, propiedad del excéntrico empresario Morris Levy, demandó a John Lennon por plagio: según decía el magnate, había demasiados parecidos entre Come together y la canción de Chuck Berry You can’t catch me. Lennon reconoció el plagio y acabó llegando a un acuerdo extrajudicial con Levy: prometió pagarle grabando otras canciones de su propiedad, cosa que cumplió con su disco en solitario Rock’n’Roll (1975). Lo más curioso del caso es que una de las canciones elegidas fue, precisamente, You can’t catch me, de Chuck Berry. Mientras la productora de Berry lo demandó por plagiar la canción entera, Lennon se defendió diciendo esto: "Sí, era yo componiendo oscuramente sobre un viejo tema de Chuck Berry. A pesar de que no es para nada como la canción de Chuck Berry, me llevaron a juicio porque lo admití una vez hace años. Dejé una línea de la letra igual, que podría haber cambiado por otra. La canción sigue siendo mía, independientemente de Chuck Berry o de cualquier otra persona en el mundo".

 16. Héroes del Silencio: que me devuelvan el dinero. 42 euros, de 2007, costaba la entrada del concierto sevillano de los Héroes del Silencio en el estadio olímpico de La Cartuja; una cita enmarcada en la gira de despedida que llevó al grupo por diferentes capitales españolas y americanas. El de Sevilla era uno de los tres conciertos que dieron en España, por eso mucha gente peregrinó desde sus localidades para verlos, gastándose un buen puñado de euros en viaje, alojamiento y entrada. El estadio estaba abarrotado y, al ser un recinto tan grande, los que no estaban muy cerca creyeron que todo iba bien, pero los asistentes de las primeras filas vieron con horror cómo su grupo favorito perpetraba un playback de agárrate y no te menees: Bunbury no atinaba a mover la boca cuando sonaba su voz enlatada, y por los altavoces sonaban armónicas y otros instrumentos que brillaban por su ausencia en el escenario. Indignados, muchos asistentes escribieron críticas en Internet y reclamaron a la promotora del concierto unas indemnizaciones que nunca llegaron a pagarse. 

 17. Modern Talking: esa canción que tanto bailaste esconde un timo. Geronimo’s cadillac, Brother Louie, Chery chery lady… Los éxitos de este dúo alemán marcaron la banda sonora de los ochenta. Y sus integrantes, Thomas Anders y Dieter Bohlen, se forraron, vendiendo 120 millones de discos. Pero en el año 2001, cuando Anders y Bohlen ya estaban más que jubilados, se descubrió que no eran ellos quienes cantaban los pegajosos falsetes de sus canciones. Es más, el rubio del dúo no había entonado ni una palabra, y el moreno solo algunas partes. Los verdaderos intérpretes de sus coreados estribillos eran tres cantantes profesionales, llamados Rolf Köhler, Detlef Wiedeke y Michael Schol, que se mantuvieron en la sombra mientras los figurantes se llevaban la fama y la fortuna. Cuando se descubrió el pastel, los auténticos vocalistas intentaron en vano emprender una carrera como trío, bajo el nombre de Systems in Blue, pero se estrellaron en el intento. 

18. Credence Clearwater Revival: esquilmando al maestro. Aunque son muchos los que han bebido del jugoso cancionero de Little Richard, uno de los padres fundadores del rock’n’roll, el caso más criminal es el de Travelin’ band, del grupo Creedence Clearwater Revival. El tema fue (ejem) compuesto por el líder del grupo, el cantante y guitarrista John Fogerty en 1970, arrasó en medio mundo y fue versioneado por Elton John, Def Leppard o Jerry Lee Lewis. Pero en 1972, la compañía que poseía los derechos de autor de Little Richard denunció a Fogerty por considerar que Travelin’ band era demasiado parecida al tema Good Golly, Miss Molly. El incidente se resolvió fuera de los tribunales, ya que Fogerty reconoció que había sido un “plagio incidental”, es decir, que lo había hecho sin querer. Suena a excusa barata, pero creíble si tenemos en cuenta que, en una ocasión, Fogerty llegó a plagiarse a sí mismo: en su día fue demandado por la compañía propietaria de la canción Run through the jungle, que era suya, por considerar que se parecía demasiado a The old man down the road, que también era suya. Increíble. 'Traveling' band' es muy parecida a 'Good Golly, Miss Molly'. Como 'I'm down', de los Beatles, a 'Tutti frutti'. Little Richard esquilmado por partida doble.

                  

19. Katy Perry: la flautista mentirosa. En un concierto de 2011 celebrado en Manchester, Katy Perry se las quiso dar de flautista y le salió el silbido por la culata, protagonizando uno de los playback fails más bochornosos de la historia del pop reciente. Un operario le trajo una flauta en una bandeja y ella se puso a tocarla mientras le sujetaban el micrófono. Pero la cantante se quitó la flauta de la boca bastante antes de que dejara de sonar y se giró. Tras un fuerte abucheo del público, torció el gesto y gritó: "¡Vale, no sé tocar la flauta!". Para colmo, alguien subió el vídeo a YouTube y Katy hizo el ridículo a nivel planetario. Katy Perry, pillada tocando la flauta mágica: 

20. Oasis: los 'fusilamientos' de Manchester. El productor de los Beatles, el recientemente fallecido George Martin, llegó a decir que Noel Gallagher, cantante y guitarrista de Oasis, es “el compositor más fino de su generación”. Y tal vez tendría razón… si algunos de sus éxitos fueran suyos. Entre otros artistas, Noel se ha inspirado demasiado en Stevie Wonder, Monthy Python, Gary Glitter, Serge Gainsbourg, Pink Floyd, The Doors y hasta Johann Sebastian Bach. Pero el caso más flagrante es el del tema Cigarrette and alcohol, donde fusiló acordes y ritmos del celebérrimo Get it on, de T. Rex; por supuesto, tuvo que pagar con creces los derechos de autor. También la marca Coca-Cola lo denunció, por plagiar la música de un anuncio de los años setenta (I’d like to teach the world to sing) en su canción Shakermaker. Tras indemnizar a la marca de refrescos, Gallagher declaró con recochineo que “a partir de ahora solo beberé Pepsi”. Los Gallagher llegan demasiado lejos idolatrando a sus influencias.

                                        

UNO ES DEUDOR DE SU PASADO

“Ahora hago lo que quiero. Es lo que hay que hacer”

'A corazón abierto' es más que un disco, es un capricho en vinilo. Mikel Erentxun.

Tarde o temprano, nadie parece poder escapar de ese punto de inflexión que marca la existencia. Mikel Erentxun (Caracas, 1965) sufrió el suyo hace tres años en forma de cardiopatía. Entre las paredes de una habitación de hospital forjó la última etapa de su carrera artística. Él la llama "ciclo corazones", igual que el álbum que nació de la traumática experiencia. En el EP Corazón salvaje recuperó cuatro temas que se le quedaron en el tintero en el trabajo anterior. Y A corazón abierto pone el colofón. "Es un capricho que me hago a mí mismo", apunta el artista.

 Así define el músico su disco más reciente, un álbum con pinta de reclamo para fetichistas. Únicamente se pudo conseguir durante el Record Store Day, el pasado 16 de abril, en una edición especial de 500 copias. Y en vinilo. Un disco que tiene grabado más profundamente su indiscutible sello. "Soy muy romántico, y un defensor del sonido analógico. Hago bandera de él en mis discos". Quizás sea el argumento más convincente de lo que, asegura, le ha brindado la madurez. "Musicalmente hago lo que quiero. Empecé a disfrutar más mi carrera en 2009, cuando publiqué Detalle del miedo. Tras mi enfermedad me di cuenta, todavía más, que es lo que hay que hacer". 

 La misma filosofía que ha adaptado a su cotidianeidad. "Este tipo de sustos te obliga a cambiar mucho. Ahora llevo una rutina más ordenada, disfruto más del día a día". Como una prueba fehaciente de sus palabras, explica por teléfono desde San Sebastián los pormenores de su nueva vida. Mientras, pasea a su perro por un parque de la ciudad donde está afincado desde los años 70. Y reflexiona. "Creo que ahora soy una persona mejor".

Un aprendizaje que le ha llevado a relativizar su imborrable etapa en Duncan Dhu, a la que al principio de su carrera como solista se sentía irremediablemente amarrado. "Uno es deudor de su pasado. Hagas lo que hagas, hay que ser coherente con él", incide. "Hubo un tiempo en el que me molestaba no poder alejarme de aquella etapa. Sobre todo al principio", relata. Otra parcela que también se toma con una dosis de mayor relax. "Duncan Dhu es muy grande, no se puede dejar atrás. Pero mis fans de siempre saben que tengo una carrera dilatada, casi llevo más años como solista que con el grupo. Ellos me siguen haga lo que haga, y el tiempo pone cada disco en su lugar". 

Recientemente ha incurrido en la nostalgia ochentera y se ha reconciliado definitivamente con ese pasado que durante un tiempo le costó encajar con el nuevo Erentxun. Participó en el programa A mi manera, de La Sexta, junto a otras figuras clave del panorama musical español. Una reunión de artistas versionando entre sí sus grandes éxitos. Quién le iba a decir que sería la despedida definitiva de Manolo Tena. "Su muerte fue un shock. En el tiempo que pasamos con él grabando el programa lo vimos muy bien. Acababa de sacar disco, tenía muchas ganas de hacer cosas". Triste azar, Tena iba a cantar con Mikel Erentxun en el Matinal de EL PAÍS. No podrá ser, pero no faltará su recuerdo, adelanta el músico. "Será mi pequeño homenaje".

BRUCE SPRINGSTEEN SUSPENDE UN CONCIERTO POR UNA LEY ANTIGAY

El músico cancela su actuación en Greensboro, Carolina del Norte, por una norma que dicta a los transexuales qué baño público usar

“Algunas cosas son más importantes que un concierto de rock y esta lucha contra los prejuicios y la intolerancia es una de ellas”. Estas son algunas de las palabras que ha utilizado Bruce Springsteen en su comunicado, difundido en su página web, para anunciar que suspende su próximo concierto en Greensboro, en Carolina de Norte, por considerar que la ley aprobada en ese estado ataca a la comunidad de lesbianas, gais, transexuales y bisexuales (LGTB).

 Se trata de la ley “de privacidad y seguridad en las instalaciones públicas”, más conocida como ley HB2, por la que las personas deben usar el baño que corresponda a su “sexo biológico” en escuelas y edificios gubernamentales. La norma señala que el sexo es aquel que establece “el certificado de nacimiento de la persona”, obligando a las personas transexuales a no poder usar el baño que desean.

En su comunicado, Springsteen escribe: “Ante todo pido disculpas a nuestros seguidores en Greensboro por cancelar nuestro concierto del domingo. Esta ley les dicta a los transexuales qué baño usar y permite el ataque a los ciudadanos de LGTB, a las que le quita un arma para defenderse de la discriminación en el entorno laboral”. Y añade: "Tal y como lo veo, es un intento de quitar derechos y progreso. Y esta suspensión es el arma más potente que tengo para levantar mi voz en oposición a una medida impulsada por aquellos que quieren ir atrás en vez de para adelante". Según la nota, el dinero de las entradas será devuelto a los compradores. 

La ley, aprobada por la legislatura dominada por los republicanos y por el gobernador Pat McCrory, del mismo partido, fue la respuesta a una ordenanza del ayuntamiento de Charlotte aprobada en febrero que pretendía ampliar la protección a homosexuales, bisexuales y transexuales cuando acudan a hoteles, restaurantes y otros negocios. La ordenanza de Charlotte también buscaba proteger a las personas transexuales para que pudieran ir al baño de acuerdo con su identidad de género. Hace un año, Wilco también suspendió su concierto en el Estado de Indiana por un caso similar cuando el gobernador de Indiana, el republicano Mike Pence, aprobó una ley que también discriminaba a las personas de la comunidad LGTB. Springsteen, que tocará en San Sebastián, Madrid y Barcelona en mayo, se suma a compañías y funcionarios municipales que han denunciado la aplicación de la polémica ley.

ADIÓS A MANOLO TENA, UN SUPERVIVIENTE DE LA "MOVIDA"

Antiguo miembro de grupos como Cucharada y Alarma!!!, firmó en solitario temas tan populares como 'Sangre española' y 'Tocar madera', entre otros
 El pasado mes de diciembre se le diagnosticó un cáncer de hígado que finalmente ha acabado con su vida

Adiós a uno de los supervivientes de 'la movida'. El cantante Manolo Tena ha fallecido a los 64 años en el Hospital Gregorio Marañón de Madrid a causa de un cáncer de hígado que le fue diagnosticado el pasado mes de diciembre. "Enorme pena al tener que confirmar esta noticia: Ha fallecido el gran músico y compositor Manolo Tena", ha apuntado la SGAE en Twitter. Su capilla ardiente quedará instalada mañana en la sede de esta institución, de cuya junta directiva fue miembro el artista.

 Antiguo integrante de grupos como Cucharada y Alarma!!!, el cantante nacido en Benquerencia de la Serena (Badajoz) aunque se crió en Madrid, en el barrio de Lavapiés, adonde se trasladó con sus padres, fue uno de los grandes referentes de la 'movida madrileña'. Firmó temas tan populares como 'Quiero bailar rock & roll', 'Frío', 'Sangre española' y 'Tocar madera', entre otros.

 Su primer disco en solitario, 'Tan raro', vio la luz en 1988, pero alcanzó su época de mayor gloria a comienzos de los años noventa. A partir de ese momento, su popularidad fue decayendo. Una caída en picado que no fue sino el reflejo de su propio declive personal.

 Víctima del éxito 

 Fue una víctima más del éxito, que no supo digerir como le ha ocurrido a tantos otros artistas. Sufrió numerosos padecimientos de todo tipo: problemas económicos, enfrentamientos con su discográfica y, sobre todo, un abuso de las drogas que le colocó al borde del abismo. Ya con 27 años se vio obligado a entrar en un centro de rehabilitación y padeció una crisis de esquizofrenia. Una pesadilla que no le abandonaría nunca.

Logró reponerse en un primer momento de aquella etapa oscura y se coló en la lista de los más vendidos con 'Sangre española', el trabajo que marcaría su cumbre. Publicado en 1992, vendió más de medio millón de copias de este disco, que representó un punto de inflexión en su carrera. Tena, que había compuesto canciones para Miguel Ríos, Ana Belén o Luz Casal, entre otros, por fin era reconocido como buscaba. Incluso logró una nominación al Goya a la mejor música original por su contribución a la película '¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?', de Manuel Gómez Pereira.

 A continuación vendrían álbumes como 'Las mentiras del viento' (1995), un fracaso comercial pese a que el artista siempre confesó su predilección por este trabajo, y 'Juego para dos' (1997). En 1998 editó 'Grandes éxitos y rarezas', un disco doble que repasaba lo mejor de su discografía, y ese mismo año rindió homenaje a Federico García Lorca en un álbum que tenía a 'La aurora' como tema principal. En el año 2000 publicó 'Insólito', donde recuperaba 'La aurora' y 'Son de negros en Cuba', entre otros temas, y que se vendió exclusivamente a través de internet, algo en lo que fue pionero en España. Y en 2003 lanzó 'Básicamente', su primer disco en directo.

Declive

 Pero los fantasmas del pasado resurgieron. Los lanzamientos se iban espaciando cada vez más. Sus actuaciones dejaban constancia de la confusión que habitaba en su mente. Canciones interrumpidas en directo al ser incapaz de recordar las letras atestiguaban que el infierno no había quedado ni mucho menos atrás. "Yo no quería morirme, pero tampoco descansaba en paz", confesó en una entrevista. "Las ganas de vivir me hicieron no morir y resucitar casi al borde de la muerte. Eso es peor que estar muerto", agregó. 

 Salió adelante, a diferencia de otros representantes de 'la movida' como Antonio Vegas, pero siempre tuvo presente que el golpe podía llegar en cualquier momento. Era un superviviente que temía volver atrás. Sus discos habían hecho mucho dinero, pero él vio poco. Y el que vio se fue como había llegado, hasta el punto de que su familia tuvo que ayudarle para que no acabase viviendo en la calle. De 'Sangre española' siempre dijo que no recibió ni un duro, tras ceder sus derechos a su productor. Para más inri, hubo de hacer frente a los requerimientos de Hacienda, que le exigió unos 200.000 euros por las ganancias del álbum.

 Sus problemas de salud le obligaron a detener su carrera en 2008, año en que editó 'Canciones nuevas', doce temas en los que exploraba otros géneros como el rhythm & blues o el reggae. No volvería al mercado hasta 2015, cuando lanzó el que se convertiría en su último álbum, 'Casualidades'. El disco, conformado por trece canciones, fusionaba el rock que había caracterizado su trayectoria con el blues, los sonidos latinos e incluso los ritmos fronterizos tex-mex. Todo ello con la voz rasgada, carrasposa, que constituía su sello de identidad. 

Era un intento de recuperar aquello que había perdido, volver a disfrutar con la música sin obsesionarse con los laureles de que gozó en el pasado. Una última oportunidad de brillar para quien había formado parte de la memoria sonora de toda una generación. También se dejó ver en el programa de televisión 'A mi manera', acompañado de otras leyendas de los ochenta y los noventa como Mikel Erentxun o Nacho García Vega, y fue el protagonista de un documental en el que compañeros de profesión como Miguel Ríos, Ana Belén, Víctor Manuel, Rosendo o María Dolores Pradera daban su visión sobre la obra del músico. 

 Su último concierto lo ofreció el pasado 19 de marzo en el auditorio Alfredo Kraus de Las Palmas de Gran Canaria. El agravamiento de su estado de salud le había obligado a aplazar el que tenía previsto ofrecer el 2 de abril en Alcalá de Henares (Madrid). El cáncer, finalmente, ha apagado su voz, viva únicamente ya en sus discos.

22 AÑOS SIN EL "GRUNGE" DE KURT COBAIN

Kurt Donald Cobain (Aberdeen, Washington, 20 de febrero de 1967-Seattle, Washington, 5 de abril de 1994) fue un músico estadounidense, conocido como el cantante, guitarrista y principal compositor de la banda grunge Nirvana. Cobain formó Nirvana con Krist Novoselic en Aberdeen, Washington, en 1985 y la estableció como parte de la escena musical de Seattle, con su álbum Bleach lanzado por el sello discográfico independiente Sub Pop en 1989. 

ILLARRAMENDI SUPERA EL MITO DE LA NOVENA SINFONÍA

El compositor acaba de editar su último disco sinfónico y esta semana estrena 'Zarautz' en Bilbao

  

El compositor Ángel Illarramendi (Zarautz, 1958) vive uno de los momentos más dulces de su carrera artística. El pasado 5 de febrero vio la luz el disco con la grabación de la Sinfonía Nº 4 Ingenua y la Sinfonía Nº 9, a cargo de la Orquesta Sinfónica de Euskadi, y esta semana se estrenará su obra Zarautz por la Orquesta Sinfónica de Bilbao en el Palacio Euskalduna. Y en breve estará en los cines la última película de Helena Taberna, Acantilado, cuya banda sonora también ha compuesto el músico guipuzcoano. "No se puede pedir más", dice Illarramendi: "Ahora es cuando se me está reconocimiento muy trabajo. Estoy feliz".

Sony Classical ha editado sus sinfonías cuarta y novena, grabadas en directo en abril de 2005 por la Orquesta Sinfónica de Euskadi "con la grandiosidad que da un teatro lleno de público y la viveza que eso produce en los músicos y el director". Illarramendi se muestra especialmente satisfecho del resultado del disco porque la Novena "no es fácil de interpretar". La orquesta vasca dirigida por José Miguel Pérez Sierra consiguió entender "a la perfección" una obra "muy rítmica, con ritmos muy irregulares", hecha en un solo movimiento, como sus dos sinfonías anteriores (la Séptima y la Octava, ninguna de ellas bautizada).

Illarramendi cree superado el "mito de la novena", esa maldición que se ha instalado en el mundo de la música clásica tras la muerte de grandes compositores tras componer nueve sinfonías, aunque para romper el maleficio está el maestro Shostakovich, que creó 15 sinfonías. "Yo ya me puedo morir tranquilo", dice el compositor guipuzcoano. Metido en faena en su estudio de Hondarribia, en una privilegiada atalaya junto al campo de golf de Jaizkibel, todavía no ha comenzado a componer la décima sinfonía, porque "entre obra y obra hay que dejar un tiempo de reposo, como el barbecho en la tierra". 

 Terminó su primera sinfonía con 25 años y eso le abrió las puertas del cine, con su participación en la banda sonora de Tasio, de Montxo Armendariz, el comienzo de una dilatada carrera musical para el cine de la mano, principalmente del productor vasco Elías Querejeta, "un gran amigo". Después vinieron El hijo de la novia, Luna de Avellaneda, Yoyes o Teresa, el cuerpo de Cristo. Su última intervención para el cine es Acantilado, de Helena Taberna, con la que ha colaborado en varios filmes. "El cine ha sido un complemento estupendo para mí. Pero si tengo que destacar algo es mi faceta sinfónica", afirma.

 Las nueve sinfonías, de las que se han editado cuatro (la tercera, cuarta, séptima y novena), son "un diario íntimo de mi carrera musical", un "recorrido vital" que le ha permitido "expresar con libertad lo que llevo dentro. Es lo único que me interesa en estos momentos: la libertad total. Que la música fluya bien, y eso se consigue principalmente con la música sinfónica". 

 "La música clásica vive un buen momento. Y el mío también es bueno. Se me está moviendo la obra pese a que cuesta mucho estrenar", explica el músico, que ya cuenta con "unos 24 discos editados", de los que dos tercios corresponden a bandas sonoras. 

 Ya no hay tantos prejuicios como antes en la música clásica, sentencia: "Vivimos tiempos más desprejuiciados, después de unos años en los que imperó el atonalismo. Fue muy duro porque se intelectualizó demasiado la música. Yo, en cambio, nunca he renunciado a la melodía. Yo soy un músico cantor. Canto todo, hasta la percusión. Antes tenías que estar en la vanguardia, mal llamada vanguardia, que estuvo bendecida por la crítica y los conservatorios. Era como una especie de dictadura, porque para que te aceptasen tenías que hacer ese tipo de música. Le llamaban música contemporánea, algo absolutamente pretencioso. Yo comprendo que se tomen todo tipo de caminos, porque el ser humano es muy curioso. A mí me ha servido para saber lo que no tengo que hacer, aunque también me considero heredero de todo".

Autor de un Concierto para clarinete, piano, viola y orquesta, aún por estrenar, y trabajos para el teatro, una ópera de cámara y música coral, Illarramendi está ahora con la mente puesta en el estreno de Zarautz, un poema sinfónico que compuso en 2002 por encargo del Ayuntamiento de su localidad natal y que entonces "no se preocuparon de moverlo". Su primera puesta en escena será los días 18 y 19 de febrero en el Euskalduna a cargo de la Orquesta Sinfónica de Bilbao, dirigida por Nabil Shehata. Después se interpretará el 9 de junio en el Auditorio Nacional de Madrid por la Orquesta Clásica Santa Cecilia, bajo la batuta de Grzegorz Nowak y con Janina Fialkowka al piano.

UNA VOLUNTAD SIN LÍMITES

Uno no puede perderse este vídeo. La voluntad no tiene límites. Impresionante. 

LA RAE: "ES ESTÚPIDO LLEVAR UN TEMA EN INGLÉS A EUROVISIÓN"

El académico José María Merino cree que es «una obligación moral y cultural de nuestra cadena pública» velar por la difusión del patrimonio cultural nacional.

 El académico de la Lengua José María Merino ha manifestado hoy su total desacuerdo con que la letra de la canción que representará a España en Eurovisión 2016, en pleno Año Cervantino, esté compuesta íntegramente en inglés. «Teniendo en cuenta que el español es una lengua que hablan 500 millones de personas, presentarse con una canción en inglés es sorprendentemente estúpido», ha señalado a Efe respecto a la elección popular de "Say Yay!" interpretada por Barei, como embajadora nacional en el célebre concurso musical europeo.

GARCILASO DE LA VEGA. SONETO XXIII. EN TANTO QUE DE ROSA Y AZUCENA.

Canción del pirata. José de Espronceda.

Esta es una versión que ha hecho el grupo El Mago de Oz con la letra del poema Canción del pirata de José de Espronceda, el conocido autor del Romanticismo.

Whithney Houston

Mi pequeño homenaje desde este blog a esta excelentísima cantante, Whitney Houston, con una de las canciones que la hizo famosa I will always love you

Música para disfrutar

Una gran pieza para piano. Merece la pena aprender a tocar este instrumento sólo por poder expresar todo lo que esta obra sugiere. El autor del tema es Michael Nyman y, aunque se trate de una banda sonora, el título del tema es The Heart Asks Pleasure First.